Ольга Биантовская Графика. Плакат




Дата08.09.2017
өлшемі8 Kb.
12549

Ольга Биантовская
Графика. Плакат

Ольга Биантовская
Графика
Плакат
Olga
Biantovskaya
Graphic works. Posters
Санкт-Петербург, 2010

5
Моей дорогой маме.
Этот альбом посвящен творчеству петербургского художника-графика и плакатиста 
Ольги Александровны Биантовской.
Свыше 40 лет Ольга Александровна создает работы в присущем ей классическом стиле, который находит свое отражение в театральных 
плакатах, иллюстрациях к произведениям литературных классиков и поэтов, детских сказках и работах о своем родном городе. Изящество, 
доброта и петербургская культура - это то, что можно увидеть в ее произведениях, и они расскажут зрителю и читателю о жизни 
прекрасного любимого человека, который принес в этот мир частицы своей души и таланта.
Это издание не смогло вместить всех работ художника, в него вошли далеко не все серии и плакаты, они ждут своей очереди, а сейчас 
опубликованы в Интернете.
Виктор.

ББК
Ольга Биантовская.
Графика. Плакат. Альбом работ. Составитель В. Наумов, Санкт-Петербург, 2010. - 172 с.
Этот альбом включает в себя произведения петербургского художника-графика и плакатиста Ольги Биантовской, созданные 
в период с середины 60-х годов прошлого века до середины первого десятилетия этого века: театральные плакаты и афиши, 
книжные иллюстрации к произведениям известных писателей и поэтов, серии рисунков к детским сказкам, графические 
произведения о балете, литографии с достопримечательностями Санкт-Петербурга.
Рассказ о творчестве и биография художника.
http://www.russianlaw.net/art/bia/
ISBN
© О. А. Биантовская
© Т. С. Юрьева, текст вступительной статьи, 2010
© И. А. Цветкова, дизайн-макет, верстка, 2010
© В. Б. Наумов, составитель, 2010
Использование произведений возможно только при условии получения предварительного согласия их 
авторов и правообладателей. В случае использования произведения в соответствии со ст. 1274 ГК РФ 
требуется указать автора, название произведения и источник. 
Вопросы просим направлять по адресу naumov@russianlaw.net

7
Содержание
Предисловие . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 5
Ускользающая натура . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 9
Афиши и плакаты . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 20
Книжная графика и литографии . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 40
Серия «Летний сад» . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 42
Серия «Экскурсия в Ломоносов» . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 50
Иллюстрации к роману А. Н. Толстого «Петр I» . . . . . . . . . . . . . . . . . 56
Иллюстрации к роману Ч. Т. Айтматова 
«И дольше века длится день» . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 62
Из серий «Усталые люди балета» 
и «Фантазии балетмейстера»  . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 70
Иллюстрации к поэме А. С. Пушкина «Граф Нулин» . . . . . . . . . . . . 74
Иллюстрации к поэме А. С. Пушкина «Домик в Коломне» . . . . . . 80
Серия «Памяти Апухтина» . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 88
Иллюстрации к сборнику стихотворений А. Н. Апухтина . . . . . . . . 92
Иллюстрации к роману Л. М. Леонова «Вор» . . . . . . . . . . . . . . . . . . 96
Иллюстрации к роману В. Я. Шишкова «Угрюм-река» . . . . . . . . . .100
Иллюстрации к роману Л. Н. Сейфуллиной «Виринея» . . . . . . . . .108
Иллюстрации к сказке В. Г. Максимова 
«Туры мои златорогие» . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .112
Волшебное путешествие Синдбада . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .126
Серия «Лесовики» . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .128
Иллюстрации к сборнику чешских сказок 
«Бесстрашный Микеш» . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .130
Иллюстрации к сказке «Козьма Скоробогатов» . . . . . . . . . . . . . . . .136
Иллюстрации к сборнику рассказов Натаниэля Готорна
«Рассказы в Тэнглвуде» . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .138
Биография . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .152
Biography . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .158
Vanishing scenery . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .162
List of pictures . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .164

9
УСКОЛЬЗАЮЩАЯ НАТУРА
Нам, конечно, не дано предугадать, что произойдёт с нами, с 
искусством, созданным на твоих глазах твоими друзьями… Талан-
тливому человеку только кажется, что он может быть свободным. 
Наступает время, и ты вольно или невольно хочешь испытать со-
стояния ранее тебе неизвестные, очищенные от суетного времени, 
и  начинается  в  новом  качестве  спасение  собственной  души. 
Счастье, если это выражается в созданном тобою произведении. 
Бывает по-разному.  Ибо, оставляя привычный образ жизни, «по-
кидая город с его земными радостями, он всё же должен был взять 
с собой самого себя, а в нём были все порывы тела и души, кото-
рые могут ввергнуть человека в беду и соблазн». (Герман Гессе, 
«Игра в бисер») 
Всю свою жизнь замечательная петербургская художница Ольга 
Биантовская интуитивно ищет путь к спасению собственной души 
для выражения духа времени, ею выбранного из толщи столетий.
Все мы в каком-то смысле ткём текст нашей жизни (слова «тек-
стиль» и «текст» от латинского глагола texere – «ткать»). Общий 
вид  своей  гигантской  шпалеры  получился  у  Ольги  Биантовской 
потрясающе  красивым,  изящным  и  одновременно  эмоциональ-
но напряжённым и бесконечно печальным. Она видела все нити 
создаваемого  произведения  и  следила  за  их  передвижениями 
с  художнической  волей,  достойной  уважения.  Творчество  Ольги 
Биантовской отражает черты её личности, тщательно скрываемые 
даже от друзей...
Её появление в Академии художеств, в мастерской, на выстав-
ках не могло быть не замеченным. Даже защита дипломной работы 
(1966 г.) по мастерской книжной графики уже демонстрировала её 
умение работать, овладевать основами мастерства, брать у заме-
чательного педагога Таранова понимание графического искусства
иллюстрации. Тема, ею выбранная, казалось странной – иллюст-
рации к «Угрюм-реке». Эти «тяжёлые», большие листы уже тогда 
демонстрировали не столь выражение содержания, а стремление 
в чёрно-белой графике добиться тоновых соотношений. Из этой 
мутной реки родилось искусство совсем другого стиля. Художник 
строгого  отбора  художественных  принципов,  она  вырвалась  из 
оков академического образования и нашла себя в прямо противо-
положном направлении…
Высокая, статная, загадочная, с ироничным и добрым взглядом, 
такая петербургская дама, обычно в чёрном, всегда элегантно оде-
тая. Яркое изнутри явление на фоне ленинградской, а уже потом 
петербургской жизни. 
Современницей  её  назвать  было  трудно.  В  её  облике  сквозят 
черты и Натальи Гончаровой, и Айседоры Дункан, и Анны Ахмато-
вой, и «амазонок русского авангарда». Она – Декадентская мадонна.  

10
В Париже, на улице Сен-Бенуа, недалеко от аббатства Сен-Жермен, 
когда-то было (а может и сейчас еще есть) маленькое кафе, где 
часто собирались поэты, художники и журналисты, где ежедневно 
завтракали и обедали Гончарова и Ларионов. Хозяйкой кафе была 
в те времена мадам Варе, которая часто с восхищением говорила: 
«Как хороша мадам Гончарова, сразу видно – гранд-дам и гранд-
артист!». Подобное могла бы услышать и Ольга Биантовская.
С молодых лет Ольга предлагала не понять её, а просто принять 
такой, какая она есть. Нуждалась в любви, ценила и ценит друзей, 
на  редкость  доброжелательна,  но  никого  к  своему  душевному 
миру не подпускала ни в молодости, ни сейчас. Она абсолютно не 
нуждается в оценках своего творчества. Совершенно справедливо 
полагая, что работает для выражения себя. Казалось, говорит: «Вот 
смотрите – мои театральные афиши, графические листы, книжные 
иллюстрации, акварели и офорты – это и есть Я». Словно вторит 
Н. Гончаровой, записавшей в дневнике: «Всё проходит – любовь, 
дружба, только труд остаётся».
Ольга посвятила свою жизнь вдохновенному поиску красоты. 
Её друг, известный график, истинный петербуржец Андрей Харшак 
в нашем разговоре о стиле произведений Ольги Биантовской вер-
но заметил – «раскованное эстетство советского периода».
 В её личности нет приземлённости, обыденности, самые про-
стые  проявления  бытия  превращаются  в  акт  творения.  Спасает 
аура  дома,  старинная  обстановка,  что  и  помогает  ей  быть 
погружённой в свой собственный духовный мир. Интеллигентный 
художник, обладающий культурой в самом глубинном смысле 
этого  слова,  –  таково её истинное положение в петербургской 
культуре.
 Семидесятые годы – весьма невзрачные в российской исто-
рии – стали для её искусства временем расцвета, как, впрочем, 
и для талантливых представителей российской культуры. В ленин-
градском искусстве засверкали имена З. Аршакуни, А. Заславского, 
В. Тюленева и многих других.
О.  Биантовская  с  какой-то  невероятной  смелостью  и  зрелым 
для  молодого  художника  мастерством  обращается  не  только 
к  разным  видам  графического  искусства,  но  и  определяет  свою 
эстетику, своё видение не просто мира, а балета, музыки, поэзии…
Так рождаются плакаты к «Жизели», «Сильфиде», «Щелкунчику». 
Её героем, таким ранимым, становится Пушкин (плакат для Музея 
Пушкина).
Она с молодости стала жить в мире, весьма далёком от поли-
тических  событий.  Ленинград,  известные  виды,  она  «населяет» 
иными людьми – образами пушкинской эпохи, превращаясь сама 
в Наталию Николаевну. Тут дело совсем не в изучении старинных 
гравюр. Суть в её одарённости чувствовать и видеть, например, 
1836 год. Посмотрите на эти произведения: «Бал у Карамзиных» 
с ощущением музыкального ритма, пронизывающего композицию, 

11
с этим невероятным голубовато-белым пятном посредине; «Царс-
кое село» – тончайшее понимание русской природы, выраженное 
с  европейским  чувством  восхищения.  Такое  количество  разных 
планов, создающих абсолютно целостное восприятие произведе-
ния. Это и есть мастерство. 
 Её сильный характер проявляется в обращении с графичес-
кой техникой, с включением мысли и чувства в рукотворный про-
цесс раскрашивания . Труд офортиста тяжёлый, делать пять, шесть 
отпечатков (если делать в цвете), добиваться абсолютного соот-
ветствия замыслу – требует и физической силы, и терпения. Но 
этот труд остаётся «за кадром», а рождается удовлетворённость 
результатом. Достаточно проникнуться офортами и акварелями к 
сказкам В. Максимова, чтобы понять, что для неё означает живо-
писная стихия в графике.
Художник  добивается  изысканности  и  красоты  и  становится 
приверженцем линеарной графики, умеющим тонко подсвечивать 
или выделять цветом тончайшую линию. Она вовлечена в захваты-
вающий процесс, в котором главным оказывается чувство меры и 
безупречного мастерства. 
 Лет с тридцати она расшифровывала художников серебряного 
века и побеждала себя с каждым новым произведением, создавая 
как мастер композиции новые игровые связи. В её графических 
произведениях есть тонкая стилизация сродни А. Бенуа. Она рас-
шифровывала Сомова, Бакста. Сказочность, которая присутствова-
ла в акварелях, офортах, посвящённых балету, становилась иной 
окраски, когда речь шла о книжной иллюстрации.
Стилистически, в формальном плане, график комфортно пре-
бывает в «Мире искусства», в серебряном веке. При этом никакой 
застенчивости пера или кисти. Любит ХIХ век. Художник сочиняет, 
рисует и откровенно «демонстрирует» свой идеал, весьма далё-
кий от реальности. Если учесть, что имена С. Дягилева, А. Бенуа, 
К. Сомова, поэтов начала ХХ века находились под негласным, а 
в  некоторых  случаях  и  гласным  запретом,  то  она  пренебрегала 
идеологическими  устоями  современного  ей  советского  социума. 

12
(Серебряный век, 1910-е годы, называли «позорным десятилетием»)
  Эмоциональные  токи  прошлого  столетия  от  «Мира  искусст-
ва» пробивали её, и отсюда кажущаяся лёгкость её ремесла. Она 
другая и её время иное, но есть то, что называется профессио-
нализмом. Именно поэтому в среде графиков она на протяжении 
более тридцати лет пользуется неизменным авторитетом. Не стоит 
забывать, что мэтры российской графики последних лет сорока, в 
основном, петербуржцы – В. Траугот, А. Харшак, В. Мишин, 
Ю. Люкшин, Н. Казимова… Но, никогда никому ничего не доказы-
вая, график О. Биантовская не играла в желание быть первой, 
а  узнаваемой  среди  сотни  художников  становилась  легко. 
Выделялась не только внешне. 
 График открывает какие-то невиданные стороны своей собс-
твенной натуры и делает то в искусстве, что считает нужным. Чего 
душа требует. Она и в жизни поступает точно также.
С  безупречным  вкусом  очерчивается  достаточно  замкнутый 
круг её балетных, оперных, музыкальных, литературных пристрас-
тий.  Повторим,  в  семидесятые  годы  прошлого  столетия!  Среди 
современников она выбирает хореографов – Б. Эйфман, О. Ви-
ноградов, Л. Якобсон, композиторов – Б. Тищенко, писателей 
–  Ч.  Айтматов.  Она  проникается  фантасмагорией  «Коппелии» 
Гофмана и ощущает себя Коппелиусом, понимая, что неожиданно 
творение превосходит то, что задумал человек. Это относится и к 
трактовке «энергетического» плаката к Б. Брехту («Карьера Артура 
Уи»).
Она любит и знает классическую музыку. Так воспитали. Посе-
щение филармонии – профилактика и насыщение души.
В  её  творчестве  нет  жестикулирующих  марионеток,  образы 
наполнены не только пластической красотой, но невероятным по-
рывом, они «летят», бесплотны. График создаёт свою символику, 
и потому все разговоры о стилизации под мирискусников просто 
нелепы. Это её художническая среда, тот пласт культуры, фило-
софской мысли, видения, образности, который близок её натуре, 
которыми она искренне как художник восхищается. При этом её 
индивидуальность видна в каждой линии, в особых по звучанию 
цветовых плоскостях – гармоничных или контрастных, в личнос-
тной интонации или неожиданности композиционного строя. Не 
боялась учиться и подражать, и вслед за Н. Гончаровой смеялась 
над теми, кто проповедовал индивидуальность и полагал «какую-
то ценность в своем «я» даже тогда, когда оно до невозможности 
ограниченно».
  Её  эмоциональная  и  многообразная  интерпретация  теат-
рального действа сродни игре, в которой участвует она, зритель 
и арт-факт. Есть в этом процессе своя тайна сцены… Рождённые 
вдохновением образы «раскрывают» не только эстетическую фор-

13
мулу художника, но и предлагают этическую возможность жизни в 
разные времена её активной деятельности.
 Выход за пределы камерности сюжета от частного к общему 
осуществляется  на  территории  искусства.  Никакой  спекуляции, 
никакого подкупа зрителя… На этом волевом пути рождается свой 
символ балета, своя символика. Её театральные плакаты помнят 
по сей день. Белый и чёрный лебеди на берегу озера, такая трога-
тельная ожившая кукла, венок, рассечённый кинжалом – образы, 
обречённые на приятие во все времена. 
Идеи  многомерности,  неоднозначности  и  вариабельности 
мира пронизывают всё её творчество. Интуитивно нащупан путь к 
спасению собственной души – менее всего реквием самому себе, 
скорее – мольба и вера.
Роза  пахнет  розой.  Искусство  есть  искусство.  Первое  –  бес-
спорно. Второе – сегодня дискуссионно. Само понятие искусства 
размыто, неопределённо, и как-будто многое забыто, уничтожено 
или вычеркнуто. Великий реформатор Сергей Павлович Дягилев 
полагал, что искусство самоценно, самополезно, и, главное, сво-
бодно. Можно согласиться! 
Ольга жаждет быть частью идеального мира. Утопия, идеализа-
ция – жить в этом постоянно трудно, от этого можно сойти с ума.
ХХ  век,  на  наших  глазах  ставший  прошлым,  также  как  «Век 
просвещения»  или  «Век  барокко»  попал  в  разряд  архивных  до-
кументов,  стал  фактом  истории.  К  нему  уже  не  тянутся,  ему  не 
подражают, его подменяют, отвергают и тем не менее ХХ век про-
должает вызывать научное и художническое любопытство. Нет ни 
одного стоящего художника, для которого не была бы интересна 
первая половина столетия. Судя по её творческой лаборатории, 
О. Биантовская целеустремлённо проникала в логику и антилогику, 
спонтанность,  провокационность,  свойственные  ХХ  веку.  Ольга 
преображала эталоны признанной в новом столетии красоты .
Её трагедия состоит в сильном, потрясшем её наступлении но-
вого времени в жизни и в искусстве. Достаточно увидеть её свое-
образный графический автопортрет, где на бархотке на шее как на 
петле надпись – «массовая культура», от которой мозги «выходят» 
наружу. Становится страшно.
 Для неё девяностые годы стали бесконечно трудно переноси-
мыми и в творчестве и в повседневной жизни. Она категорически 
не могла постичь новые формы красоты, знаковые формулы – ос-
тались для неё непонятными. Казалось, рушатся устои привычного 
образа не жизни, а искусства. Для неё настала трудная пора, она 
перестаёт ощущать себя во времени, в искусстве.
Но мы продолжаем любоваться её графической маэстрией, на-
полненной романтическим чертами. Как писал Н. Н. Пунин: «сво-
бодны только гений и бездарность, для талантливого нет свободы».

14
В  книжной  иллюстрации 
она  становится  мужественной 
и  суровой.  Стиль  Ч.  Айтматова, 
степь, сотворённая явно не для 
неё,  образы-лики,  высечен-
ные  со  скульптурной  мощью, 
воплощаются  О.  Биантовской, 
сумевшей  перевернуть  себя 
наизнанку,  включить  иные  сто-
роны  своего  художественного 
воображения.
 А я обращаюсь к листам, 
посвящённым  поэту  Алексею 
Апухтину,  другу  П.  Чайковско-
го.  С  какой  необыкновенной 
рисунке.  Видишь  как  она  вычерчивает  узор  –  чисто  Сомовская 
черта.  Прозрачность  рисунка  подчёркивает  плоскость  книжной 
полосы или плаката. Она творит и легко компонует из рокайль-
ного  зеркала  рамки  прихотливой  формы.  Гирлянды  перевитых 
лентами полевых цветов – один из её излюбленных мотивов. И 
вдруг в пушкинский лист помещает Шагаловский букет. В созда-
нии  своего  микрокосма  она  находит  ритмически  разнородное 
движение, либо «скрещивает» разность состояния неодушевлён-
ных и одушевлённых предметов. Она как карты «перетасовывает» 
разные художественные приёмы, добиваясь в графике полифонии 
цветов,  преображающихся  подобно  звуковым  волнам  один  в 
другой. А ведь это чисто живописное свойство. Она никогда не 
писала на холсте. Её поле – бумага, к которому она относится как 
к полноправному компоненту произведения, каждый раз находя 
тот тон, который выбирает для того или иного произведения. 
лёгкостью строится композиция, как дышит офорт, наполненный 
цветными штрихами – феерия жизни, цвета, линии. Рисунки вы-
полнены тушью. Они воспроизводились с «подкладками» – серой, 
зеленоватой и желтоватой. В них есть впечатление «гравюры на 
дереве», что соответствует стилю эпохи модерна. 
Любая из её серий, будь то «Летний сад» или «Граф Нулин» 
(иллюстрации) отмечена переживанием. Энергичная жизнь Летне-
го сада ХIХ-ХХ столетий превращается в спектакль, где в одной 
композиции и ожившие статуи, и фрагменты архитектурных пе-
тербургских шедевров, и разные жанровые сцены – и всё радостно 
(подчёркнуто её любимым розовым цветом), и вновь изысканно.
Ей  удаётся  напряжёнными  и  одновременно  артистичными 
штрихами,  линиями  «брать»  высокие  щемящие  ноты,  что  совер-
шенно не мешает относиться к героям с чувством юмора. Никакой 
мертвенности колорита, что и невозможно при таком свободном 

15
Она выбирает множественность точек зрения, находит свою едва 
заметную динамику сдвигов. В плакатах есть виртуозно очерчен-
ная невесомость форм, посмотрите на Сильфиду. У неё редкий дар 
сочетать несочетаемое – плоскостность и объёмность, реальную 
орнаментальность и нереальные видения. И ещё в каждой из её 
серий есть объединяющее формальное и смысловое нача-
ло – орфизм с его идеей родства цветовой и звуковой гармонии. 
 Если уж служить, то Аполлону, если быть заложником – то 
вечности.
Эта просветительская точка зрения была осознана Ольгой Би-
антовской вслед за «Миром искусства» с позиций нового времени, 
которое  ни  в  коей  мере  не  соответствовало  ни  их,  ни  её  пред-
ставлению о жизни. Они выбрали себе роли очевидцев прошлого, 
во  всяком  случае,  именно  так  следует  воспринимать,  например, 
«Прогулки Людовика XIV» А. Бенуа или любую серию О. Биантовс-
кой. Но утопичность ностальгического толка ни тогда, ни теперь не 
интересовала общество. Требовалась и требуется художественная 
лесть  настоящему,  или  эволюционная  форма,  предсказывающая 
будущее  (желательно,  одобренная).  Никаких  наград,  забвение 
имён – и тогда, и теперь. Стиль произведений «мирискусников» 
отражал  мировоззрение  творцов:  их  воспевание  традиционных 
отшлифованных  европейских  свойств  искусства  и  был  ценным 
прежде всего для самой Европы. Но действие происходит в Ле-
нинграде-Петербурге. 
Для истории Санкт-Петербурга такое явление в искусстве, как 
полистилизм, еще с XIX столетия становится важнейшим фактором 
движения общественной и художественной мысли. Петербургские 
концепты строятся как преемственность культурных пластов. Ког-
да художники чувствуют наступление «конца истории», тогда до-
пускается игра с формами прошлого. Происходит восстановление 

16
духовного  контакта  с  миром  сакральных  образов  иных  времен. 
Это и есть то, к чему стремилась график и что нашло отражение в 
её произведениях. 
Город Блока, Ахматовой и Шостаковича внушал и внушает 
душевный  трепет  и  не  всегда  оптимистического  свойства.  Сам 
процесс эстетизации переживаемых чувств сближает разные по-
коления. Город, по которому бродили Бенуа, Бакст, Сомов 
и Дягилев, сохранился таким же (пока процесс разрушения ещё не 
завершился). В том же царстве мистерии площадей и неразгадан-
ных тайн архитектурных ансамблей жило и воображение моло-
дой Ольги Биантовской. Не стоит забывать знаменитого «Медного 
всадника» и мечущегося Евгения. Петербургская острота чувств, 
изысканность вкуса, артистичность прикосновения к холсту, глине, 
бумаге свойства петербургского искусства, частью которого явля-
ется Ольга Биантовская. В творчестве «моих друзей – героев ми-
фов» – прикосновение не только в виртуальном, но и в реальном 
смысле – к невской мистической гранитной глыбе, «сопровожда-
ющей» Неву, – неповторимо в той же степени, как и к эрмитажным 
шедеврам.
График Ольга Биантовская училась искусству у искусства. Мы 
живём в контексте уже виденного, на плечи давит художествен-
ный опыт прошлого, но художник не Атлант и не Кариатида. 
Петербург  привнёс  в  мировое  искусство  своё  видение.  Ин-
тернациональный по сути город вобрал в себя искусство разных 
времён и разных стран. Открытый город первым осознал единс-
тво культурного пространства в планетарном смысле. Искусство 
Ольги Биантовской из этого ряда. Ей не важно идти в фарватере и 
кого-либо стремиться опередить. Радость, боль, печаль – главные 
мотивы её искусства не призывны, но позволили ей вывести свою 
формулу красоты, синтезирующую и скрепляющую ту художничес-
кую почву, на которой выросли и Александр Бенуа, и Константин 
Сомов, и Лев Бакст, Ольга Остроумова-Лебедева, Павел Филонов.
Вспомним, в статье о поэзии Иннокентий Анненский заметил: 
«Что такое поэзия? Этого я не знаю, но если бы я и знал…, то не су-
мел бы выразить своего знания… Вообще, есть реальности, кото-
рые, по-видимому, лучше вовсе не определять.. Разве есть покрой 
одежды, достойный Милосской богини?»
Память даёт художнику возможность остановить мгновение и 
быть включённым в поток жизни . И это происходило с Ольгой на 
протяжении последних десяти лет.
Жизнь  в  искусстве  продолжается  жизнью  искусства.  Можно 
сказать словами Н. Н. Пунина: искусство – это выбранная жизнь. 
Не  удивительно,  что  наступает  время,  когда  нить  шпалеры 
обрывается.
А я создаю коллаж из её произведений – «рисую» венок из роз 
и лилий и Деву Воздуха Сильфиду, ускользающую в облака. 
 
ТАТЬЯНА ЮРЬЕВА,
доктор искусствоведения, профессор,
директор Музея современных искусств 
имени С. П. Дягилева  СПбГУ
«Арка»
масло, холст, 116 x 91
1996

17

Плакаты и афиши

20
Плакаты и афиши
П. И. Чайковский
«Лебединое озеро», балет 
Театр оперы и балета им. Кирова, 1972
А. Адан
«Жизель», балет 
Ленинградский государственный малый театр оперы и балета, 1974

21
Л. Делиб,
«Коппелия», балет 
Ленинградский государственный академический малый театр оперы и балета, 1973
П. И. Чайковский
«Спящая красавица», балет 
«Киров Балет» Мариинского театра, 1993

22
Плакаты и афиши
П. И. Чайковский
«Лебединое озеро», балет 
Молдавский государственный театр оперы и балета, 1978
С. Прокофьев
«Ромео и Джульетта», балет 
Государственный академический театр оперы и балета им. Кирова,  1984

23
Т. Хренников
«Гусарская баллада», балет 
Государственный академический театр оперы и балета им. Кирова, 1979
А. В. Чайковский
«Броненосец «Потемкин», балет 
Государственный академический театр оперы и балета им. Кирова, 1978

24
Плакаты и афиши
С. Прокофьев
«Золушка», балет 
Ленинградский малый театр оперы и балета, 1976
А. Адан
«Жизель», балет 
Молдавский государственный театр оперы и балета, 1978

25
П. И. Чайковский
«Щелкунчик», балет 
Молдавский государственный театр оперы и балета, 1978
А. Мачавариани
«Витязь в тигровой шкуре», балет 
Государственный академический театр оперы и балета им. Кирова, 1985

26
Плакаты и афиши
А. Чайковский
«Ревизор», балет 
Ленинградский малый театр оперы и балета, 1985
Д. Пуччини
«Чио-Чио-Сан», опера 
Молдавский государственный театр оперы и балета, 1981

27
А. Адан, И. Пуни, Л. Делиб, Р. Дриго, П. Ольденбургский
«Корсар», балет 
Государственный академический театр оперы и балета им. Кирова, 1988
С. Рахманинов
«Скупой рыцарь», опера 
Государственный академический театр оперы и балета им. Кирова, 1976

28
Плакаты и афиши
Афиши квартиры-музея А. С. Пушкина на Мойке, 12
1968
Плакат выставки «Друзья и современники А. С. Пушкина»
1981

29
Б. Брехт
«Карьера Артура Уи», 
Государственный академический театр оперы и балета им. Кирова, 1978
Афиша музея А. С. Пушкина 
1977

30
Плакаты и афиши
Б. Барток
«Замок герцога Синяя Борода», опера 
Государственный академический театр оперы и балета им. Кирова, 1980
П. И. Чайковский
«Иоланта», опера 
Молдавский государственный театр оперы и балета, 1981

31
Афиша выставки «Оловянные солдатики»
1975
П. И. Чайковский
«Щелкунчик», балет 
«Киров Балет» Мариинского театра, 1991
Г. Доницетти
«Двенадцатая ночь, или Все, что угодно», балет 
Театр современного балета Б. Эйфмана, 1984

32
Плакаты и афиши
Музыка от А до Я,
1979
Т. Эгнер
«Люди и разбойники»
Ленинградский кукольный театр сказки, 1977
П. И. Чайковский
«Моцартиана», балет, 1980

33
Х. Левенскьолд
«Сильфида», балет, 1989
А. Минкус
«Дон Кихот», балет, 1979

34
Плакаты и афиши
Б. Тищенко
«Ярославна», балет 
1978
М. Мусоргский
«Хованщина», опера
Государственный академический театр оперы и балета им. Кирова, 1976

35
Д. Шостакович
«Клоп»
Ленинградская труппа «Хореографические миниатюры», 1975
Афиша Балета Малого театра
1977

36
Плакаты и афиши
Б. Тищенко
«Ярославна», балет
1980 
К. Машков
«Березовые глазки», кукольное представление
Ленконцерт, 1984

37
К. Молчанов
«А зори здесь тихие...», опера
Молдавский государственный театр оперы и балета
1979
Д. Беллини
«Норма», опера
Молдавский государственный театр оперы и балета
1979
П. Масканьи
«Сельская честь», опера
Молдавский государственный театр оперы и балета
1981

38
Плакаты и афиши
Афиша Ленинградского балетного театра
1989
Театр и дети
1979

39
Афиша выставки «Русское зарубежье»
1991
Плакат «Массовая культура»
1996
А. Скрябин
«Прометей», симфоническая поэма
1979

Книжная графика
и 
литографии 

42
Книжная графика и литографии
Серия «Летний сад»
1987 год
Цветная литография
28 x 32

43
Летний сад

44
Книжная графика и литографии

45
Летний сад

46
Книжная графика и литографии

47
Летний сад

48
Книжная графика и литографии

50
Книжная графика и литографии
Серия «Экскурсия в Ломоносов»
1982

1986 годы
Литография, акварель
44 х 59

51
Экскурсия в Ломоносов

52
Книжная графика и литографии

53
Экскурсия в Ломоносов

54
Книжная графика и литографии

55
Экскурсия в Ломоносов

56
Книжная графика и литографии
Иллюстрации к роману А. Н. Толстого 
«Петр I»
1979—1981 годы
Литография, акварель
40 x 30

57
А. Н. Толстой, «Петр I»

58
Книжная графика и литографии

59
А. Н. Толстой, «Петр I»

60
Книжная графика и литографии

61
А. Н. Толстой, «Петр I»

62
Книжная графика и литографии
Иллюстрации к роману Ч. Т. Айтматова
«И дольше века длится день»
1984 год
Цветная литография
36 x 50

Ч. Т. Айтматов, «И дольше века длится день»
63

64
Книжная графика и литографии

65
Ч. Т. Айтматов, «И дольше века длится день»

66
Книжная графика и литографии

Ч. Т. Айтматов, «И дольше века длится день»
67

68
Книжная графика и литографии

69
Ч. Т. Айтматов, «И дольше века длится день»

70
Книжная графика и литографии
Из серий 
«Усталые люди балета» 
и «Фантазии балетмейстера»
2002—2003 годы
Смешанная техника, коллаж

71
Наталия Макарова
Удачное ремесло
Усталые люди балета

72
Книжная графика и литографии
Артистка кордебалета Галина

73
Поиски и сомнения
Статистка Елизавета С.
Усталые люди балета

74
Книжная графика и литографии
Иллюстрации к поэме А. С. Пушкина 
«Граф Нулин»
1982, 1985, 2002 годы
Цветная литография,
38 x 25

75
А. С. Пушкин, «Граф Нулин»

76
Книжная графика и литографии

77
А. С. Пушкин, «Граф Нулин»

78
Книжная графика и литографии

79
А. С. Пушкин, «Граф Нулин»

80
Книжная графика и литографии
Иллюстрации к поэме 
А. С. Пушкина 
«Домик в Коломне»
1987, 2002 годы
Цветная литография,
38 x 25

81
А. С. Пушкин, «Домик в Коломне»

82
Книжная графика и литографии

83
А. С. Пушкин, «Домик в Коломне»

84
Книжная графика и литографии
Серия «А. Пушкин – годы 
жизни и творчества»
1987, 1999, 2002 год
Цветная литография,
36 x 30

85
А. Пушкин — годы жизни и творчества

86
Книжная графика и литографии

87
А. Пушкин — годы жизни и творчества

88
Книжная графика и литографии
Серия «Памяти Апухтина»
1990 год
Цветная литография

89
Памяти Апухтина

90
Книжная графика и литографии

91
Памяти Апухтина

92
Книжная графика и литографии
Иллюстрации 
к сборнику стихотворений 
А. Н. Апухтина
1990 год
Цветная литография
А. Апухтин «Стихотворения»
Издательство «Детская литература»
Ленинград, 1990 г.

93
А. Н. Апухтин, «Стихотворения»

94
Книжная графика и литографии

95
А. Н. Апухтин, «Стихотворения»

96
Книжная графика и литографии
Иллюстрации к роману
Л. М. Леонова «Вор»
1970—1971 годы
Литография
28 x 32

97
Л. Леонов, «Вор»

98
Книжная графика и литографии

99
Л. Леонов, «Вор»

100
Книжная графика и литографии
Иллюстрации к роману
В. Я. Шишкова «Угрюм-река»
1966 год
Литография
32 x 28

101
В. Я. Шишков, «Угрюм-река»

102
Книжная графика и литографии

103
В. Я. Шишков, «Угрюм-река»

104
Книжная графика и литографии

105
В. Я. Шишков, «Угрюм-река»

106
Книжная графика и литографии

107
В. Я. Шишков, «Угрюм-река»

108
Книжная графика и литографии
Иллюстрации к роману
Л. Н.  Сейфуллиной «Виринея»
1969—1970 годы
Литография
32 x 28

109
Л. Н. Сейфуллина, «Виринея»

110
Книжная графика и литографии

111
Л. Н. Сейфуллина, «Виринея»

112
Книжная графика и литографии
Иллюстрации к сказке
В. Г. Максимова
«Туры мои златорогие»
1989 год
Литография, акварель, гуашь
В. Г. Максимов, «Туры мои златорогие»
Издательство «Детская литература»
Ленинград, 1989 г.

113
В. Г. Максимов, «Туры мои златорогие»

114
Книжная графика и литографии

115
В. Г. Максимов, «Туры мои златорогие»

116
Книжная графика и литографии

117
В. Г. Максимов, «Туры мои златорогие»

118
Книжная графика и литографии

119
В. Г. Максимов, «Туры мои златорогие»

120
Книжная графика и литографии

121
В. Г. Максимов, «Туры мои златорогие»

122
Книжная графика и литографии

123
В. Г. Максимов, «Туры мои златорогие»

124
Книжная графика и литографии

125
В. Г. Максимов, «Туры мои златорогие»

126
Книжная графика и литографии

128
Книжная графика и литографии

129
Лесовики

130
Книжная графика и литографии
Иллюстрации к сборнику 
чешских сказок 
«Бесстрашный Микеш»
1987 год
Литография, акварель
«Бесстрашный Микеш»
Издательство «Детская литература»
Ленинград, 1987 г.

131
Бесстрашный Микеш

132
Книжная графика и литографии

133
Бесстрашный Микеш

134
Книжная графика и литографии

135
Бесстрашный Микеш

136
Книжная графика и литографии
Иллюстрации к сказке
«Козьма Скоробогатов»
1980 год
Цветная литография

137
Козьма Скоробогатов

138
Книжная графика и литографии
Иллюстрации 
к сборнику рассказов 
Натаниэля Готорна 
«Рассказы в Тэнглвуде»
1990 год
Акварель, гуашь

139
Н. Готорн «Рассказы в Тэнглвуде»

140
Книжная графика и литографии

141
Н. Готорн, «Рассказы в Тэнглвуде»

142
Книжная графика и литографии

143
Н. Готорн, «Рассказы в Тэнглвуде»

144
Книжная графика и литографии

145
Н. Готорн, «Рассказы в Тэнглвуде»

146
Книжная графика и литографии

147
Н. Готорн, «Рассказы в Тэнглвуде»

148
Книжная графика и литографии

149
Н. Готорн, «Рассказы в Тэнглвуде»

150
Книжная графика и литографии

151
Н. Готорн, «Рассказы в Тэнглвуде»

152
Книжная графика и литографии

153
Н. Готорн, «Рассказы в Тэнглвуде»

Биография
Ольга  Александровна  Биантовская  ро-
дилась в городе Ленинграде 17 сентяб-
ря 1941 года. После окончания средней 
художественной  школы  при  Институте 
живописи,  скульптуры  и  архитектуры 
им.  И.  Е.  Репина  при  Академии  худо-
жеств  СССР  в  1960  году  поступила  на 
факультет  графики  этого  Института, 
училась у В. В. Смирнова, В. М. Звонцова, 
М. А. Таранова. 
Ольга  Биантовская  специализируется  в  области  книжной  ил-
люстрации,  дизайна  и  театрального  плаката  и  приняла  участие 
более чем в 160-ти национальных и международных выставках.
Долгое  время  являлась  членом  бюро  секции  графики  Санкт-
Петербургского  Союза  художников  России  и  членом  Правления 
Санкт-Петербургского  Союза  художников  России  (творческо-вы-
ставочный сектор).
Лауреат  премии  Правительства  Санкт-Петербурга  в  облас-
ти  литературы,  искусства  и  архитектуры  2002  года  за  создание 
альбомов эстампов «История и культура Петербурга в графике», 
обладатель  дипломов  Российской  Академии  художеств  и  Союза 
художников России.
О. А. Биантовская — ветеран труда, житель блокадного Ленин-
града, награждена медалями «50 лет победы в Великой Отечест-
венной войне», «Ветеран труда».
Основные национальные 
выставки:
1967 — «50 лет Советской художественной школы» (Москва)
1969 — «5-я Ленинградская выставка книжной графики» (Ленинград)
1972 — «5-я Ленинградская выставка прикладной графики» 
(Ленинград, Москва)
1975 — «Русская и советская классика в произведениях советских художников»
(Иркутск)
Персональная выставка в музее-квартире Ф. Достоевского (Ленинград)
1976 — 3-я Всероссийская выставка плаката (Уфа)
I Всероссийская выставка театрального плаката (Москва В.Т.О.), 
1-2 премия разделена с Э. Дробицким
1977 — I Ленинградская выставка плаката (Ленинград)
1979 — 4-я Всероссийская выставка плаката (Ленинград)
8-я Ленинградская выставка книжной графики
1980 — 6-я республиканская выставка плаката (Москва, Ленинград)
1981 — персональная выставка (книжный салон «Ленинград»)
1982 — персональная выставка в Летнем саду (Кофейный домик, Ленинград)
Всесоюзная выставка эстампа (Москва)
Республиканская выставка «Искусство книги» (Пермь)
8-я республиканская выставка (Ленинград, Москва)
1983 — «225 лет Академии художеств» (Ленинград, Москва)
1984 — Выставка ленинградского плаката в Ц.Д.Х. (Москва)
«Пушкин и его время» (из фондов Центрального музея А.С. Пушкина)
(Ленинград, Москва)
1985 — Юбилейная выставка, посвященная «Слову о полку Игореве»
(Ленинград)
154

1986 — персональная выставка (Лавка писателей, Ленинград)
Республиканская выставка плаката (Воронеж)
1987 — Всероссийская выставка графики (Иркутск)
9-я Ленинградская выставка книжной графики
1989 — Персональная выставка (Дом дружбы и мира с зарубежными странами,
Ленинград)
Всероссийская выставка станковой графики (Москва)
1989, 1990 — две персональные выставки (Государственный Русский музей,
корпус Бенуа, лекторий, Ленинград)
1991 — I Всесоюзная выставка зрелищного плаката (Москва)
«100 лет Петербургской книжной графики» (Ленинград)
Республиканская выставка плаката (Владимир)
1993 — «60 лет «ДЕТГИЗу» (Санкт-Петербург)
1994 — «Экспериментальная мастерская им. Н. Тырсы» 
(музей городской скульптуры Санкт-Петербурга)
«Золотой Фонд» — коллекция Союза художников Санкт- Петербурга
1995 — «200 лет Национальной публичной библиотеке» (Санкт- Петербург)
1997 — «Русский балет глазами петербургских художников»
1999 — «Болдинская осень» (Москва)
2 персональных выставки (Государственный музей А.С. Пушкина, 
Царское Село, Дача Китаевой)
2000 — «200 лет со дня рождения А.С. Пушкина» (Санкт-Петербург)
«Петербург-Москва» (Санкт-Петербург)
Всероссийская выставка к 2000-летию Рождества Христова (Москва)
2001 — «Москва-Петербург» (Москва)
Выставка-конкурс «Эстамп 2000» (первая премия, Санкт-Петербург)
Персональная выставка — Государственный музей-заповедник
А.С. Пушкина (с. Михайловское)
2002 — персональная выставка — Государственный музей А.С. Пушкина
(Мойка, 12, Санкт-Петербург)
«Художники — городу. 70 лет Санкт-Петербургского Союза художников»
2003 — персональная выставка — (Государственный музей А.С. Пушкина,
Царское Село, Дача Китаевой)
Организации России, где находятся 
работы О. А. Биантовской:
Государственный Русский музей (Санкт-Петербург)
Калининская областная художественная галерея (Тверь)
Научный музей Академии художеств России (Санкт-Петербург)
Театральный музей им. А. Луначарского
Областной художественный музей (Иван-город)
Народный музей в селе Шушенское
Центральный Государственный музей А.С. Пушкина (Москва)
Государственный музей А.С. Пушкина (Санкт-Петербург)
Брянский художественный музей
Национальная публичная библиотека им. В. Ленина (Москва)
Национальная публичная библиотека им. М.Е. Салтыкова-Щедрина (Санкт-
Петербург)
Дирекция выставок ЛОСХ
Литературно-художественный музей-усадьба А. Толстого (Самара)
Дирекция выставок Союза художников России
Музей городской скульптуры Санкт-Петербурга
Комитет по культуре Мэрии Санкт-Петербурга
Театральный музей им. М. Бахрушина (Москва)
Новгородский государственный музей-заповедник
155

Основные зарубежные выставки:
1976 — Выставка-конкурс театрального плаката, г. Киль, ФРГ,  «Неделя
театра в Киле»
1978 — VIII Бьеннале дизайна и плаката, Брно, ЧССР
1980 — VIII Бьеннале плаката, Варшава, ПНР
1982 — X Бьеннале дизайна и плаката, Брно, ЧССР
Выставка советского плаката в Италии 
(Рим, Милан, Генуя, Венеция)
Выставка театрального плаката 
в Политехническом музее Лос-Анджелеса, США
1983 — V Бьеннале плаката, Лахти, Финляндия
Выставка советской иллюстрации в Венгрии (Будапешт)
1985 — IV Бьеннале плаката, Лахти, Финляндия
1986 — XII Бьеннале дизайна и плаката, Брно, ЧССР
1987 — VII Бьеннале плаката, Лахти, Финляндия
1988 — Международная выставка живописи, скульптуры и графики
(из коллекции Ван Заврел, Голландия)
1988 — II Бьеннале плаката, Музей плаката города Тояма, Япония
Выставка восточноевропейского искусства, Гаага, Голландия
1989–1990 — «39 советских иллюстраторов», 
Милан, Рим, Венеция, Италия
1990 — Инвитационная выставка США-СССР «Форум плаката в Огаки»,
Япония
1991 —советско-французская выставка иллюстраций 
к детской литературе «Лес Чудес», Париж, Москва
1993 — «Искусство Санкт-Петербурга», Гренобль, Париж, Франция
«Месяц графики в Эшероле», Франция
1994 — Миланская опера «100 лет балету «Щелкунчик», Милан-Рим,
Италия
1995 — «Петербургский плакат и иллюстрации», Милан, Рим, Италия
1996 — Выставка российского зрелищного плаката на международном
симпозиуме, Нордхемптон, Не-Не колледж изобразительногоискусства 
и дизайна, Великобритания«Плакаты со всего мира, 1900-1990 годы», 
Истинная галерея плаката, Лондон, Великобритания
2000 — «Мир друзей Яна Райлиха», Брно, Чехия
156

Зарубежные музеи и коллекции
Икограда Фаундейшн, Лондон, Великобритания
Музей декоративного искусства, Копенгаген, Дания
Музей Политехнического института Лос-Анджелеса, США
Университетский музей Нью-Йорка, США
Музей современного искусства, Нью-Йорк, США
Собрание университета в городе Киле, Германия
Музей плаката в Варшаве, Польша
Музей плаката в Брно, Словакия
Музей плаката в Лахти, Финляндия
Коллекция д-ра Рене Ваннера, Швейцария
Коллекция д-ра Фолькера Штебера, Германия
Коллекция д-ра Ван Заврел, Голландия
Коллекция д-ра Яна Райлиха, Брно, Словакия
Музей университета Форт-Коллинз, Колорадо, США
Музей плаката города Тояма, Япония
Музей современного искусства города Огаки, Япония
Собрание Оддо ли Грандиса, Милан, Италия 
Список основных работ
Графические серии и иллюстрации:
Серия цветных литографий к произведению Л. Леонова «Соть», 1967—1968 гг.
Серия цветных литографий по роману Л. Сейфуллиной «Виренея», 1968—1969 гг.
Геннадий Черкашин, «Вкус медной проволоки», Детгиз, 1969 г.
Серия литографий к роману Л. Леонова «Вор», 1971 г.
А. Шевцов, «Трудные шаги на рассвете», Советский писатель, 1971 г.
Серия цветных литографий «На ситценабивной фабрике Веры Слуцкой», 1977 г.
Б. Алмазов, «Белый шиповник», Детгиз, 1979 г.
А. Н. Толстой, «Петр I», серия литографий, 1979—1981 г.
Ростислав Корнев, «Семейная фотография», Советский писатель (Ленинград), 
1979 г.
Ю. Алянский, «Рассказы о Русском музее», Лениздат, 1981 г.
Ф. Углов, «Сердце хирурга», Детгиз, 1981, 1987 гг.
Серия цветных литографий «Путешествие в г. Ломоносов (б. Ораниенбаум)», 
1982—1986 гг.
А. С. Пушкин, «Граф Нулин», серия литографий, 1982, 1985, 2002 гг.
Божена Немцова, «Карла и другие рассказы», Детгиз, 1984 г.
Серия цветных литографий к роману Ч. Т. Айтматова «И дольше века длится 
день», 1984 г. 
157

158
Л. Н. Толстой, «Война и мир», серия литографий, 1985 г.
«Бесстрашный Микеш. Сказки», Детгиз, 1987 г.
Серия цветных литографий «Летний сад», 1987 г.
А. С. Пушкин, «Домик в Коломне», серия цветных литографий, 1987, 2002 гг.
А. С. Пушкин, «Годы жизни и творчества», серия цветных литографий, 1987, 
1999, 2002 гг.
«Добрым молодцам урок. Книга сказок», Иркутск, 1987 г.
В. Максимов, «Туры мои златорогие», Детгиз, 1989 г.
А.П. Чехов, «Пьесы», Детгиз, 1989 г.
А. Н. Апухтин, «Стихотворения», Детгиз, 1990 г.
Н. Готорн, «Рассказы в Тэнглвуде», Детгиз, 1990 г.
Ростислав Корнев, «Стриптиз по пятницам», Советский писатель, 1990 г.
Черри Гаррард, «Самое ужасное путешествие», Гидрометеоиздат, 1991 г.
«Ярмарка сказок», Детгиз, 1992 г.
«Калевала», изд. «Столица» (Москва), 1992 г.
Серия литографий «Утро на Неве», 2000 г.
Серия литографий «Белые ночи», 2001 г.
Серии плакатов к русским и зарубежным балетам
(1970—2003)
Государственный академический театр им. С. Кирова (Мариинский) — плакаты к 
спектаклям О. Виноградова: 
«Хованщина»
«Гусарская баллада»
«Лоэнгрин»
«Фея Рондский гор»
«Жизель» —II
«Тщетная предосторожность»
«Коппелия» —II
«Ромео и Джульета»
«Спящая красавица»
«Броненосец Потемкин»
«Ярославна»
«Сильфида»
Малый академический театр им. Мусоргского — плакаты к спектаклям
О. Виноградова: 
«Балет Малегота»
«Жизель»
«Коппелия»
«Лебединое озеро»
«Золушка»
Хореографические миниатюры: 
Л. Якобсон. «Клоп», «Классицизм — романтизм»
Б. Эйфман «Классика — звезды — шедевры».

160
Biography
Olga Alexandrovna  Biantovskaya  was  born  in  Leningrad  on  the 
17th  of  September,  1941.  After  finishing  Secondary  Art  School 
at I.E. Repin Institute of Painting, Sculpture and Architecture of the 
Academy of Arts of the USSR in 1960, she entered the department of 
graphics of that Institute where she studied under V. V. Smirnov, 
V. M. Zvontsov and M. A. Taranov. 
Olga Biantovskaya specializes in the sphere of book illustrations, 
design and theater posters; she took part in more than 160 national 
and international exhibitions. 
She was a long-time member of the Bureau of the Section of Graph-
ics of the Saint-Petersburg Union of Artists of Russia and a member of 
the Board of the Saint-Petersburg Union of Artists of Russia (creative 
and exhibitions sector). 
She was awarded the 2002 prize of the Government of Saint Pe-
tersburg in the spheres of literature, art and architecture for creating 
albums of gravures “History and Culture of Saint Petersburg in Graph-
ics”, as well as the diplomas of the Russian Academy of Art and the 
Union of Artist of Russia. 
O. A. Biantovskaya is a veteran of labor, an inhabitant of the block-
aded Leningrad, she was awarded medals “50 Years of Victory in the 
Great Patriotic War” and “Veteran of Labor”. 
The Principal National Exhibitions
1967 — “50 Years of Soviet Artistic Schools” (Moscow)
1969 — “The 5th Leningrad exhibition of book graphics” (Leningrad) 
1972 — “The 5th Leningrad Exhibition of Applied Graphics” (Leningrad, Moscow) 
1975 — “Russian and Soviet Classics in the Works of Soviet Artists” (Irkutsk)
 
A personal exhibition at F. Dostoyevsky’s apartment-museum (Leningrad)
1976 — the 3rd All-Russian exhibition of posters (Ufa)
 
the 1st All-Russian exhibition of theater posters (Moscow, All-Union   
 
Theatrical Society), the 1st and the 2nd prizes were shared with 
 
E. Drobitsky
1977 — the 1st Leningrad exhibition of posters (Leningrad)
1979 — the 4th All-Russian exhibition of posters (Leningrad)
 
the 7th Leningrad exhibition of book graphics 
1980 — the 6th Republican exhibition of posters (Moscow, Leningrad)
1981 — a personal exhibition (“Leningrad” book exhibition)
1982 — a personal exhibition at the Summer Garden (Coffee House, Leningrad)
 
All-Union exhibition of gravures (Moscow)
 
Republican exhibition “Art of Book” (Perm)
 
the 8th Republican exhibition (Leningrad, Moscow)
 
“225 years of the Academy of Arts” (Leningrad, Moscow)
1984 — Exhibition of Leningrad posters and the Central House of Artists (Moscow) 
 
“Pushkin and His Time” (from the collections of the Central A.S. Pushkin  
 
Museum) (Leningrad, Moscow)
1985 — An anniversary exhibition devoted to the “Lay of the Host of Igor” (Lenin-  
 
grad)
1986 — a personal exhibition (Writers’ Bookshop, Leningrad)
 
Republican exhibition of posters (Voronezh)
1987 — All-Russian exhibition of graphics (Irkutsk)
 
the 9th Leningrad exhibition of book graphics 
1989 — a personal exhibition (House of Friendship and Peace with Foreign  
 
Countries, Leningrad)
 
All-Russian exhibition of easel graphics (Moscow)

161
1989, 1990 — two personal exhibitions (State Russian Museum, the Benois Wing;   
 
Lecture Hall, Leningrad)
1991 —  the 1st All-Union exhibition of entertainment posters (Moscow)
 
“100 years of St. Petersburg book graphics” (Leningrad)
 
Republican exhibition of posters (Vladimir)
1993 —  “60 years to DETGIZ” (Saint Petersburg)
1994 —   “N. Tyrsa experimental workshop” (Saint Petersburg City Sculpture  
 
Museum”)
 
“Golden Fund” – a collection of the Saint Petersburg Artists Union 
 
(Central Exhibition Hall)
1995 —  “200 years to the National Public Library” (Saint Petersburg)
1997 —  “Russian ballet as seen by Petersburg artists”
1999 —  “Boldino autumn” (Moscow)
 
2 personal exhibitions (State A.S. Pushkin Museum, Tsarskoye Selo,  
 
Kitayeva’s Dacha) 
2000 —  “the 200th anniversary of A.S. Pushkin” (Saint Petersburg)
 
“Petersburg-Moscow” (Saint Petersburg)
 
All-Russian exhibition devoted to the bimillenium of the Nativity of  
 
Christ (Moscow)
2001 —  “Moscow – Petersburg” (Moscow)
 
competition exhibition “Gravure 2000” (the first prize, Saint Petersburg)
 
a personal exhibition – A.S. Pushkin State Museum-Reservation Area  
 
(the village of Mikhailovskoye)
2002 —  a personal exhibition – All-Russian A.S. Pushkin Museum (12 Moika  
 
Embankment, Saint Petersburg)
 
“Art of Nation 1992-2002”, “10 years to the Confederacy of Creative  
 
Workers’ Unions of the CIS Countries”, Moscow
 
“Artists to the city. 70 years to the Saint Petersburg Artists’ Union”
2003 —  a personal exhibition (State A.S. Pushkin Museum, Tsarskoye Selo,
 
Kitayeva’s Dacha) 
Russian Organizations Possessing O.A. Biantovskaya’s 
Works
State Russian Museum (Saint Petersburg)
Kalinin Regional Art Gallery (Tver)
The Scientific Museum of the Russian Academy of Arts (Saint Petersburg)
A. Lunacharsky Theater Museum (Saint Petersburg)
Regional Art Museum (Ivan-Gorod) 
People’s Museum in the village of Shushenskoye 
Central A.S. Pushkin State Museum (Moscow)
A.S. Pushkin State Museum (Saint Petersburg)
Bryansk Art Museum
V. Lenin National Public Library (Moscow)
M.E. Saltykov-Shchedrin National Public Library (Saint Petersburg)
The Leningrad Regional Union of Artists Directorate of Exhibitions
A. Tolstoy literary and art museum (Samara)
The Union of Artists of Russia Directorate of Exhibitions
Saint Petersburg City Sculpture Museum
Saint Petersburg City Hall Committee for Culture
M. Bakhrushin Theater Museum (Moscow)
Novgorod State Museum-Reserve Area
Tretyakov Gallery

162
The Principal Exhibitions Abroad
1976 –  Competition exhibition of theater posters, Kiel, the FRG “Kiel Theater  
 
Week”
1978 –   the 8th Biennale of design and posters, Brno, the CSSR
1980 –   the 8th Biennale of posters, Warsaw, Polish People’s Republic
1982 –   the 10th Biennale of design and posters, Brno, the CSSR
  Exhibition of Soviet posters in Italy (Rome, Milan, Genoa, Venice)
 
Exhibition of theater posters at the Los Angeles Polytechnic Museum,  
 
the USA 
1983 –   the 5th Biennale of posters, Lahti, Finland
  Exhibition of Soviet book illustrations in Hungary (Budapest)
1985 –   the 6th Biennale of posters, Lahti, Finland
1986 –   the 12th Biennale of design and posters, Brno, the CSSR
1987 –   the 7th Biennale of posters, Lahti, Finland
  1988 – International exhibition of painting, sculpture and graphics  
  (from Van  Zavrel’s collection, Holland)
1988 –  the 2nd Biennale of posters, Toyama City Museum of Posters, Japan
 
an exhibition of East European art, the Hague, Holland
1989/1990 – “39 Soviet illustrators”, Milan, Rome, Venice, Italy
1990 –   the USA- the USSR invitation exhibition “Poster Forum at Ogaki”, Japan
1991 –   Soviet-French exhibition of illustrations for children’s books “Forest of  
 
Wonders”, Paris, Moscow
1993 –   “Saint Petersburg Art”, Grenoble, Paris, France
 
“A month of graphics at Echerole”, France
1994 –   the Milan Opera House, “100 years to the “Nutcracker” ballet, Milan – 
 
 Rome, Italy 
1995 –   “Saint Petersburg Posters and Illustrations”, Milan, Rome, Italy
1996 –   an exhibition of Russian entertainment posters at the international 
 
symposium, Northampton, Ne-Ne College of Graphic Arts and Design, Great   
 
Britain
 
“Posters from all over the world, 1900-1990”, True Poster Gallery,  
 
London, Great Britain
2000 -   “The world of Jan Reilich’s Friends”, Brno, the Czech Republic
Foreign Museums and Collections
Icograda Foundation, London, Great Britain
Decorative Art Museum, Copenhagen, Denmark
The Los-Angeles Polytechnic Institute Museum, the USA
The New York University Museum, the USA
The Modern Art Museum, New York, the USA
The Kiel University Collection, Germany
The Warsaw Museum of Posters, Poland
The Brno Museum of Posters, Slovakia
Lahti Museum of Posters, Finland
Dr. Rene Wanner’s collection, Switzerland
Dr. Folker Steber’s collection, Germany
Dr. Van Zavrel’s collection, Holland
Dr. Jan Reilich’s collection, Brno, Slovakia
The Fort Collins University Museum, Colorado, the USA
Toyama City Museum of Posters, Japan
Ogaki City Museum of Modern Art, Japan
Oddo di Grandis’ Collection, Milan, Italy
The Vatican Library, Rome, Italy
List of Principal Works
A series of colored lithographs for “Sot”, a novel by L. Leonov, 1967-1968. 
A series of colored lithographs for “Virineya”, a novel by L. Seifullina, 1968-1969. 
Gennady Cherkashin, “Taste of Copper Wire”, Detgiz, 1969. 
A series of lithographs for “A Thief”, a novel by L. Leonov, 1971.
A. Shevtsov, “Difficult Steps at Dawn”, Sovetsky Pisatel, 1971. 

163
A series of colored lithographs “At the Vera Slutskaya Printworks”, 1977.
B. Almazov’s book “White Rosehip”, Detgiz, 1979.
Rostislav Kornev, “A Family Photograph”, Sovetsky Pisatel (Leningrad), 1979. 
A. Tolstoy, “Peter the First”, a series of lithographs, 1979-1981. 
Yu. Alyansky, “Stories about the Russian Museum”, Lenizdat, 1981. 
Fyodor Uglov, “A Surgeon’s Heart”, Detgiz, 1981, 1987. 
A.S. Pushkin, “Count Nulin”, a series of lithographs, 1982, 1985, 2002.
A series of colored lithographs “Journey to Lomonosov (formerly Oranienbaum)”, 
1982-1986. 
Božena Némcová, “A Dwarf and Other Stories”, Detgiz, 1984. 
A series of colored lithographs to Ch. Aitmatov’s novel “A Day Lasting Longer than a 
Century”, 1984. 
L. Tolstoy, “War and Peace”, a series of lithographs, 1985.
“Fearless Mikesh. Tales”, Detgiz, 1987. 
“A Lesson for Good People. A book of Fairy Tales”, Irkutsk, 1987.
A.S. Pushkin, “The Little House in Kolomna”, a series of colored lithographs, 1987, 
2002.
A series of colored lithographs “Summer Garden” , 1987.
A.S. Pushkin, “The Years of Life and Creative Work”, a series of colored lithographs, 
1987, 1999, 2002.
V. Maximov, “My Golden-Horned Aurochs”, Detgiz, 1989. 
A.P. Chekhov, “Plays”, Detgiz, 1989. 
N. Hawthorne, “Tanglewood Tales”, Detgiz, 1990. 
Rostislav Kornev, “Striptease on Fridays”, Sovetsky Pisatel, 1990. 
A. Apukhtin, “Poems”, Detgiz, 1990. 
Cherry Garrard, “The Most Terrible Journey”, Gidrometeoizdat, 1991. 
“A Fair of Tales”, Detgiz, 1992. 
“Kalevala”, publishing house “Stolitsa” (Moscow), 1992
 A series of lithographs “Morning on Neva”, 2000. 
A series of colored lithographs “White Nights”, 2001. 
Series of posters for Russian and foreign ballets (1970—2003):
S. Kirov (Mariinsky) State Academic Theater – posters to the plays “Khovanshchina”, 
“Hussar Ballad”, “Lohengrin”, “A Fairy from the Rond Mountains”, “Giselle”-II, “Futile 
Precautions”, “Coppelia”-II, “Romeo and Juliet”, “Sleeping Beauty”, “Battleship Potem-
kin”, “Yaroslavna”, “Sylph”. 
Mussorgsky Small Academic Theater – posters to O. Vinogradov’s plays: “Malegot 
Ballet”, “Giselle”, “Coppelia”, “Swan Lake”, “Cinderella”. 
Choreographic miniatures: L. Yakobson – “The Bedbug”, “Classicism – Romanticism”, 
B. Eifman “Classics – Stars – Masterpieces”. 

164
Vanishing scenery
Of course, we cannot foresee what will happen to us or to the works of art 
that were created by your own friends before your own eyes… A talented man has 
only the feeling that he can be free. A time comes when you, willingly or not, wish 
to experience some states that were hitherto unknown to you, outside of worldly 
time, and it is then that the salvation of your own soul begins in a new way. You are 
indeed lucky if this can be expressed in a work of art created by your own hands. 
This can happen in varying ways because departing from an established mode of 
life, “departing from the city with its earthly joys, he still had to take himself along, 
and within him were all the impulses of body and soul that can plunge a man into 
trouble and temptation.” (Hermann Hesse, The Glass Bead Game). 
A wonderful St. Petersburg artist, Olga Biantovskaya, has devoted her whole life 
to an intuitive search for a way to save her own soul for the purpose of expressing 
the essence of time which she has selected from among the mass of centuries. 
In a sense, we all weave the text of our life*. The general appearance of Olga 
Biantovskaya’s own giant tapestry is stunningly beautiful, elegant yet emotionally 
tense and infinitely sad. She saw all the threads of the artwork she was creating and 
watched their movements with an artistic will worthy of respect. Olga Biantovskaya’s 
work reflects character traits which she carefully concealed, even from her friends. 
Her appearance at the Academy of Arts, at her studio and at exhibitions could 
not remain unnoticed. As early as in her graduation work (1966), specializing in book 
design, she demonstrated her ability to work, to master the fundamental artistic skill 
and to absorb an understanding of graphic art and illustration from her outstanding 
teacher, Taranov. The theme she chose looked strange; she drew illustrations to the 
novel “Ugryum-Reka” (The Gloomy River). Even back then, these “heavy”, large sheets 
demonstrated her endeavour to attain tone correlations in black and white graphics 
rather than to express the content of the picture. A quite differently style of art was 
born from that muddy river. Being an artist of strict artistic principles, she broke 
away from the bonds of academic education and ended up in an art movement dia-
metrically opposed to it…
She was a real St. Petersburg lady – tall, stately, enigmatic, her eyes ironic and 
kind; she was always elegantly dressed, usually in black. An impressive and distinc-
tive phenomenon in Leningrad, and later in St. Petersburg life. 
It is difficult to call her our contemporary. One can see features of Natalya Gon-
charova, Isadora Duncan, Anna Akhmatova and the “amazons of the Russian avant-
garde” underlying her appearance. She is a decadent Madonna. There was (maybe, 
even still is) a little cafe in Paris, on Saint Benois street, a stone’s throw away from 
the Saint Germain Abbey; it was frequented by poets, artists and journalists and 
Goncharova and Larionov breakfasted and dined there daily. Madame Varais who 
owned the café at that time often said admiringly: “How beautiful Madame Goncha-
rova is, one can see at once that she is a grande dame and a grande artiste!” Olga 
Biantovskaya could also enjoy such compliments about herself. 
From an early age, Olga suggested not to try to understand her but just to ac-
cept her as she is. She needed love, she valued and values friends, she is extremely 
benevolent but she did not let anyone into her inner world neither in her youth 
nor today. She does not require any evaluation of her works, thinking quite justly 
that she works simply to express herself. It seems that she says: “Look: here are my 
theater bills, drawings, book illustrations, watercolors and etchings – they are me.” It 
is as if she echoes N. Goncharova who wrote in her diary: “Everything passes – love 
and friendship, only work remains.”
Olga has devoted her life to an inspired search for beauty. In our conversation 
about Olga Biantovskaya’s style, her friend, a well-known black-and-white artist and 
a true Petersburger, Andrey Harshak, aptly called it “unfettered aestheticism of the 
Soviet period”. 
There are no down-to-earth or routine elements in her personality, even the 
simplest phenomena of existence are transformed into acts of creation. She is saved 
by the aura of her home and by antique furniture that permits her to remain im-
mersed in her own inner world. An intellectual artist possessing culture in the deep-
est sense of the word – such is her true position in St. Petersburg culture. 
The 1970s — a very unremarkable period of Russian history — became a time 
of blossoming for her art; but as it also was for other talented representatives of 
Russian culture. The names, Z. Arshakuni, A. Zaslavsky, V. Tyulenev and many others 
shone in the sphere of Leningrad art. 
With an incredible boldness and a mastery beyond her years O. Biantovskaya 
* The words “textile” and “text” originate from the Latin verb “texere” – to weave.

165
does not just deal with different kinds of graphic art; she determines her own aes-
thetics, her own vision of not just the world but of ballet, music, poetry… That’s how 
posters for “Giselle”, “Sylph” and “The Nutcracker” come into being. 
Since her youth she started to live in a world very remote from politics. She 
“populates” well-known Leningrad cityscapes with different people – with images 
of the Pushkin era, transforming herself into Natalia, Pushkin’s wife. Studying old 
engravings alone is not the point. What matters is her gift of feeling and seeing 
things, such as the essence of the year 1836 for example. Look at the works: “The 
Karamzins Ball” with a feeling of musical rhythm permeating the composition, with 
that incredible bluish-white spot in the middle; “Tsarskoye Selo” – the keenest un-
derstanding of Russian nature expressed with a European feeling of admiration. 
There are such a great number of various aspects creating an absolutely holistic 
impression of the picture. This is what mastery is. 
Olga Biantovskaya’s strong character shows itself in the handling of graphic 
technique, including thoughts and feelings into the process of hand coloring. An 
etcher’s work is hard—making five or six imprints (if they are made in color) and 
striving for their absolute conformity to your design requires both physical strength 
and patience. But this labor remains “behind the scenes” and a satisfaction with 
the results is born. It is enough to simply appreciate the etchings and watercolors 
illustrating V. Maximov’s fairy tales to understand what the painting elements in 
her graphics mean to her. The artist strives for delicacy and beauty and becomes 
adept at creating linear graphics capable of highlighting a very thin line delicately 
or marking it out with color. She is involved in a fascinating process where a sense 
of proportion and a flawless mastery are the main factors. 
She started deciphering the Silver Age artists when she was about thirty, and 
she won a victory over herself with each new work, creating new virtual links as an 
expert in composition. There is a subtle stylization akin to that of A. Benois in her 
graphic works. She deciphered Somov and Bakst. The fairy-tale-character that was 
present in the watercolors and etchings devoted to ballet became something quite 
different when Olga worked on book illustrations. 
Stylistically, from the point of view of form, the graphic artist could live quite 
comfortably in the “Mir Iskusstva”*, in the Silver Age. Nevertheless, her pen or brush 
is not shy at all. She loves the 19th century. The artist creates, draws and overtly 
“demonstrates” her ideal being quite removed from reality. When one takes into 
account the fact that the names of S. Diaghilev, A. Benois, K. Somov and other early 
20th century poets were kept secret, and sometimes even subjected to an overt 
ban, then she showed remarkable disregard for the ideological foundations of the 
Soviet society she lived in. (The Silver Age in the 1910s was called a “disgraceful 
decade”). 
Emotional currents of the last century, originating from “Mir Iskusstva” perme-
ated her; that is why her workmanship looks so easy. She is different and the time 
in which she lives is different, but there is such a thing called professionalism. That 
is why Olga Biantovskaya has invariably commanded respect among graphic art-
ists for more than thirty years. One should not forget that the masters of Russian 
graphics of the last forty years are mainly Petersburgers – V. Traugot, A. Kharshak, 
V. Mishin, Yu. Lyukshin, N. Kazimova… However, without proving anything to anyone, 
the graphic artist O. Biantovskaya did not play at wishing to be the first among 
them; nevertheless, her works were easily recognized among those of a hundred of 
other artists. This was not just external individuality. 
A graphic artist opens up some unseen sides of his own nature and does what 
he thinks fit in art. He obeys the voice of his soul. Olga acts in exactly the same way 
in everyday life. 
The circle of her predilections in ballet, opera, music and literature is narrow, 
but they are selected with an impeccable taste. Once again, it all takes place in 
the 1970s! Among her contemporaries she chooses choreographers – B. Eifman, 
O. Vinogradov, L. Yakobson, composers – B. Tishchenko, and writers – Ch. Aitmatov. 
She gets into the phantasmagoria of Hofmann’s “Koppelia” and feels as if she is 
herself a Koppelius, understanding that unexpected creativity is superior to that 
which is planned. This is true in respect of her treatment of the “energetic” poster to 
B. Brecht’s play, The Resistible Rise of Arturo Ui. 
She loves and knows classical music. That is how she was brought up. Visiting 
the Philharmonic is a preventive treatment and enriches the soul. 
There are no gesticulating puppets in her works, the images are not filled with 
plastic beauty only, but with an incredible power — they “fly” as though they are 
incorporeal. The graphic artist creates her own symbolism; that is why it is just ab-
surd to talk about her imitating the artists of “Mir Iskusstva”. It is her artistic circle, 
that stratum of culture, philosophical thought, vision and imagery that is akin to her 
nature and she admires them sincerely as an artist. For all that, her individuality is 
visible in every line, in peculiarly sounding color planes, harmonious or contrasting, 
in a personal intonation or an unexpected composition. She was not afraid of learn-
* Mir Isskustva was a Russian magazine  and the artistic movement it inspired and embodied, which was 
a major influence on the Russians who helped revolutionize European art during the first decade of the 
20th century.

166
ing and imitating; she followed N. Goncharova in laughing at those who preached 
individuality and thought “that their own ‘selves’ were of any value, even when they 
were incredibly limited”. 
Her emotional and manifold interpretation of theatrical play-acting is akin to a 
game played by herself, the viewer and the artifact. There is a stage mystery in this 
process… Images born out of inspiration do not just “unveil” the artist’s aesthetic 
formula; they also suggest the ethic possibility of actually living in various periods 
of her artistic activity. 
Going beyond the small-scale, from the particular to the general, is a process 
carried out in the territory of art. There is no speculation, no bribing of the viewer… 
In this strong-willed way her own symbol of ballet, her own symbolism is born. Her 
theater posters are remembered to the present day. A white swan and a black swan 
on the bank of a lake, a pathetic doll come alive, a wreath cut in two by a dagger 
– these are images that are doomed to be accepted at all times. 
The  ideas  of  multidimensionality,  ambiguity  and  the variability  of  the  world 
penetrate all of her works. She intuitively found a way to save her own soul – least 
of all through a requiem to herself, rather through praying and believing.
A rose smells of a rose. Art is art. The first statement is indisputable. The second 
one is being disputed today. The very concept of art is vague and indistinct; it seems 
that many things were forgotten, destroyed or crossed out. Sergei Pavlovich Diaghi-
lev, a great reformer, thought that art is inherently valuable, inherently useful and, 
the main thing, that it is free. One can agree with that! 
Olga thirsts to be a part of an ideal world. Utopia, idealization – it is hard to live 
in this environment constantly. Living like that can drive one mad. 
Before our eyes, the 20th century became a past century, just like “the age of 
Enlightenment” or “the age of Baroque”, now it is a thing of the past recorded in 
archive documents. No one aspires to it any more, no one imitates it anymore; it is 
being substituted, rejected, and nevertheless the 20th century continues to arouse 
scientific and artistic curiosity. There are no artists worthy of the name who are not 
interested in the first half of the century. Judging by her creative laboratory, 
O. Biantovskaya perseveringly penetrated logic and anti-logic as well as the sponta-
neity and provocation peculiar to the 20th century. Olga transformed the models of 
beauty recognized in the new century. 
Her tragedy is the start of a new epoch in life and art that shocked her pro-
foundly. It is enough to see her unique graphic self-portrait, where the noose-like 
neckband inscribed “Mass Culture” is “squeezing” her brains from her skull. It is a 
terrifying sight. 
 For Olga, the 1990s were infinitely hard to bear, both in her creative work and 
in everyday life. She was positively unable to comprehend new forms of beauty, the 
emblematic formulas remained unintelligible for her. It seemed that the founda-
tions of a habitual form not in life but in art, were collapsing. A hard period came for 
her; she ceased to take her bearings in time and in art. 
But nevertheless, we continue to admire her graphic mastery filled with roman-
tic features. According to N.N. Punin, “only a genius and a mediocrity are free, there 
is no freedom for a talent”. 
In her book illustrations she becomes courageous and austere. Ch. Aitmatov’s 
style, the steppe that was obviously created not for her, and the iconic images carved 
with a sculptural might are all impersonated by O. Biantovskaya who was able to 
turn herself inside out, to switch on other sides of her artistic imagination. 
I turn to the works devoted to the poet, Alexey Apukhtin, a friend of P. Tchai-
kovsky. How incredibly light the composition is, how easily the etching filled with 
colored lines breathes – it is an extravaganza of life, color and line. The drawings 
were made in ink. They were reproduced with gray, greenish and yellowish “back-
ings”. They give the impression of a “woodcut”, corresponding to the Art nouveau 
epoch. 
Any of her series, whether the “Summer Garden” or “Count Nulin” (illustrations), 
is marked with a peculiar experience. The vigorous life of the 19th–20th century 
Summer Garden turns into a theater show where statues come to life, fragments 
of St. Petersburg architectural masterpieces and various genre scenes meet in the 
same composition, and everything is joyful (emphasized by her favorite pink color) 
and refined once more. 
By means of lines and dashes being intense and artistic at the same time, she is 
able to “strike” high, painful notes; however, this does not prevent her from treating 
her personages with a sense of humor. There is no ghastliness in color; however, 
with such a free drawing it is impossible. You can see her drawing a pattern – it 
is clearly a leaf borrowed from Somov’s book. The transparency of a drawing em-
phasizes the flatness of a book page or a poster. She creates and easily composes 
intricately formed frames from a rococo mirror. Garlands of wild flowers tangled 
with ribbons are one of her favorite motifs. But suddenly she places a Chagall’s 
bouquet into a Pushkin drawing. In the process of creating her own microcosm, she 
either finds rhythmically dissimilar movements or “crosses” different states of inani-
mate and animate things. She “shuffles” different artistic devices like a deck of cards, 
striving in graphics to achieve a polyphony of colors which transform themselves 
one into another like sound waves, although it is a property peculiar to pictorial 

167
art. Olga never painted on canvas. Her field is paper; she treats it like a full-fledged 
component of a work of art, finding each time the particular shade fit for a specific 
work. She chooses a multiplicity of viewpoints; she finds her own, hardly noticeable 
dynamics of displacement. There is a virtuously outlined weightlessness of forms in 
her posters — just look at the Sylph. She has a rare gift of combining incompatible 
things – flatness and volume, real ornamentality and unreal visions. Moreover, there 
is a formal and conceptual element uniting each of her series – it is Orphism with 
its idea of a kinship between the harmony of color and of sound. 
If one must serve, it should be at least service to Apollo. If one must be a hos-
tage, one should be at least a hostage of eternity. 
Olga Biantovskaya followed the footsteps of “Mir Iskusstva” in understanding 
this Enlightenment conception from the point of view of a new time that corre-
sponded in no way to either their or her ideas of life. They chose the roles of wit-
nesses of the past for themselves; at any rate, that is how one should view, for ex-
ample, A. Benois’ “Louis XIV’s Strolls” or any series created by O. Biantovskaya. But a 
utopia of a nostalgic sort was of no interest to society either then or now. The things 
that were and are required are either flattery of the present or an evolutionary form 
(preferably, an approved one), predicting the future. No awards orforgotten names 
– neither then nor now. The style of the “Mir Iskusstva” artists’ works reflected their 
creators’ world outlook: their praising of the traditional “polished” European proper-
ties of art were valuable first and foremost for Europe itself. Yet the scene of action 
is Leningrad – Saint Petersburg. 
In the history of Saint Petersburg, such an artistic phenomenon as Polystylism 
became a vital factor of development for social and artistic thought since the 19th 
century. Saint Petersburg concepts are constructed as a succession of cultural strata. 
When artists feel that “the end of history” is coming, they are permitted to play with 
forms from the past. Spiritual contact with the world of sacred images from other 
times is restored. This is the aim towards which Olga was striving  and which was 
reflected in her works. 
The city of Blok, Akhmatova and Shostakovich struck and strikes one with awe, 
and not always of an optimistic sort. The very process of the aestheticization of the 
emotions one experiences brings different generations together. The city in whose 
streets Benois, Bakst, Somov and Diaghilev strolled survived in the same form (at 
least, until the process of its destruction is complete). The imagination of a young 
Olga Biantovskaya lived in the same kingdom of  unsolved mysterious secrets of 
architectural ensembles. One should not forget the famous “Bronze Horseman” and 
Eugene Onegin’s frantic dashing around. A Saint Petersburg sharpness of feelings, 
refined taste, artistry of touching the canvas, the clay and the paper is inherent 
to Saint Petersburg art, of which Olga Biantovskaya is a part. In the works of “My 
Friends, the Heroes of Myths” the touch – not only virtual, but actual – of the mysti-
cal granite blocks “escorting” the Neva river is as inimitable as the touch of the 
Hermitage masterpieces. 
The graphic artist Olga Biantovskaya learned art from art. We are living in the 
context of things already seen by us and the artistic experience of the past weighs 
on our shoulders, but the artist is neither Atlas nor a caryatid. 
Saint Petersburg brought its own vision into world art. An essentially interna-
tional city imbibed the art of various epochs and countries. The open city was the 
first to understand the unity of cultural space in a global sense. Olga Biantovskaya’s 
art is of that kind as well. Neither taking her lead from someone nor striving to fore-
stall someone matters for her. Joy, pain, sadness – these principal motifs of her art 
are not invocatory; nevertheless, they permitted her to establish her own formula of 
beauty, synthesizing and cementing the artistic soil from which Alexander Benois, 
Konstantin Somov, Lev Bakst, Ostroumova-Lebedeva and Pavel Filonov grew. 
Remember,  in  his  article  about  poetry  Innokenty Annensky  remarked: “What 
is poetry? I do not know it, but even if I knew… I would not be able to express 
my knowledge. On the whole, apparently there are realities that should not be ex-
pressed at all. Is there a cut of cloth worthy of Venus de Milo?”
Memory permits an artist to stop a moment and to be included into the flow of 
life. That is what happened to Olga over the last ten years. A life in art is continued 
by a life of art. As N.N. Punin put it, art is a selected life. 
It is small wonder that a moment comes when the thread in a tapestry breaks. 
And so I am creating a collage from Olga’s works – I am “drawing” a wreath of 
roses and lilies and sylph. An Air Maiden, slipping away into the clouds. 
TATYANA YURIEVA
Doctor of Arts, Professor
Director of S.P. Diaghilev Modern Arts Museum
of the Saint-Petersburg State University

List of pictures
Showbills and Posters
Tschaikovsky, P. I. Swan Lake - ballet
The Kirov Theatre of Opera and Ballet, 1972  . . . 20
Adan,  A. Giselle – ballet
The Leningrad Small State Theatre of Opera and Ballet, 1974  . . . 20
Delib, L. Copellia – Ballet
The Leningrad Small State Academic Theatre of Opera and Ballet, 1973 . . . 21
Tchaikovsky, P. I. Sleeping Beauty – ballet
The Kirov Ballet of the Mariinsky Theatre, 1993  . . . 21
Tchaikovsky, P. I. Swan Lake – ballet
The Moldavian State Theatre of Opera and Ballet, 1978 . . . 22
Prokofiev, S. Romeo and Juliet – Ballet
The Kirov State Academic Theatre of Opera and Ballet, 1984 . . . 22
Khrennikov, T.  Hussar Ballad – ballet
The Kirov State Academic Theatre of Opera and Ballet, 1979 . . . 23
Tchaikovskiy, A. V. The Battleship Potemkin – ballet
The Kirov State Academic Theatre of Opera and Ballet, 1978 . . . 23
Prokofiev, S.  Cinderella – ballet
The Leningrad Small Theatre of Opera and Ballet, 1976 . . . 24 
Adan, A. Giselle – ballet
The Moldavian State Theatre of Opera and Ballet, 1978  . . . 24
Tchaikovsky, P. I. The Nutcracker – ballet
The Moldavian State Theatre of Opera and Ballet, 1978 . . . 25
Machavariani, A. The Knight in Tiger’s Skin – ballet
The Kirov State Academic Theatre of Opera and Ballet, 1985 . . . 25 
Tchaikovsky, A. The Inspector General – ballet
The Leningrad Small Theatre of Opera and Ballet, 1985 . . . 26
Puccini, D. Cio Cio San (Madame Butterfly) – opera
The Moldavian State Theatre of Opera and Ballet, 1981 . . . 26
Adan, A., Puni, I., Delib, L., Drigo, P., Oldenburgski, P. Corsair – ballet
The Kirov State Academic Theatre of Opera and Ballet, 1988 . . . 27
Rachmaninoff, S. The Miserly Knight – opera
The Kirov State Academic Theatre of Opera and Ballet, 1976 . . . 27
Posters for the A.C. Pushkin Apartment Museum and Memorial 
on Moika Street, 12, 1968 . . . 28 
Poster for the exhibition, 
“Friends and Contemporaries of A. S. Pushkin” , 1981 . . . 28 
Poster for the museum of A. S. Pushkin, 1977 . . . 29
Brecht, B. The Resistible Rise of Arturo Ui
The Kirov State Academic Theatre of Opera and Ballet, 1978 . . . 29
Bartok, B. Duke Bluebeard’s Castle – opera
The Kirov State Academic Theatre of Opera and Ballet, 1980 . . . 30
Tchaikovsky, P. I. Iolanta – opera
The Moldavian State Theatre of Opera and Ballet, 1981 . . . 30 
Poster for the Exhibition “Tin Soldiers”1975 . . . 31
Tchaikovsky, P. I. The Nutcracker – ballet
The Kirov Ballet of the Mariinsky Theatre, 1991 . . . 31
Donizetti, G. Twelfth Night or What You Will – ballet
The Eifman Theatre of Modern Ballet, 1984 . . . 31
Music from A to Z, 1979 . . . 32
Egner, T.  People and Brigands
The Leningrad Puppet Theatre of Fairy-Tales, 1977 . . . 32

169
Tchaikovsky, P. I. Mozartiana – ballet, 1980 . . . 32
Levenshold, H. La Sylphide – ballet, 1989 . . . 33
Minkus, A. Don Quixote –ballet, 1979 . . . 33
Tischenko, B. Yaroslav’s Daughter – ballet, 1978 . . . 34 
Mussorgsky, M. Khovanshchina (The Khovansky Affair) – opera
The Kirov State Academic Theatre of Opera and Ballet, 1976 . . . 34
Shostakovich, D. The Bedbug (The Flea) 
The Leningrad Troupe “Choreographic Miniatures”, 1975 . . . 35
Poster for the Ballet of the Small Theatre, 1977 . . . 35
Tischenko, B. Yaroslav’s Daughter – ballet, 1980 . . . 36
Mashkov, K. Birch Eyes, Puppet Show
Lenkonsert, 1984 . . . 36
Molchanov, K. The Dawns Here are Quiet – opera
The Moldavian State Theatre of Opera and Ballet, 1979 . . . 37
Bellini, D. Norma – opera
The Moldavian State Theatre of Opera and Ballet, 1979 . . . 37
Mascagni, P.  Peasant Honour – opera
The Moldavian State Theatre of Opera and Ballet, 1981 . . . 37
Poster for the Leningrad Theatre of Ballet, 1989 . . . 38 
Theatre and Children, 1979 . . . 38
Poster for the exhibition, “The Russian Abroad”, 1991 . . . 39
Poster, “Mass Culture”, 1996 . . . 39
Skryabin, A. Prometheus – Symphonic Poem, 1979 . . . 39
Book Illustrations and Lithography 
The “Summer Garden” series . . . 42 
The “Excursion to Lomonosov” series . . . 50
Illustrations to the novel, “Peter I”, by A. N. Tolstoy  . . . 56
Illustrations to the novel “The Day Lasts Longer than 100 Years”, 
by C. T. Aitmatov  . . . 62
From the series “The Tired People of Ballet” 
and “Fantasies of a Ballet Master”  . . . 70
Illustrations to the poem, “Count Nulin”, by A. S. Pushkin  . . . 74
Illustrations to the poem, “The Little House in Kolomna”, by A. S. Pushkin . . . 80
The series “Recollections of Apukhtin”  . . . 88
Illustrations to the collection of poems by A. N. Apukhtin . . . 92
Illustrations to the novel, “The Thief”, by L. M. Leonov  . . . 96
Illustrations to the novel, “The Gloomy River”, by V.  Shishkov . . . 100
llustrations to the novel, “Virineia”, by L. N. Seyfullina . . . 108



©emirb.org 2017
әкімшілігінің қараңыз

войти | регистрация
    Басты бет


загрузить материал